Planet Musik | Sejarah Musik Elektronik dan Pemrakarsa Modern Terbaik Hari Ini !

Sejarah musik elektronik mendahului era rock and roll selama beberapa dekade. Sebagian besar dari kita bahkan tidak berada di planet ini ketika memulai perkembangannya yang sering tidak jelas, kurang dihargai dan disalahpahami. Saat ini, badan suara 'duniawi' lainnya ini yang dimulai hampir seabad lalu, mungkin tidak lagi tampak aneh dan unik karena generasi baru telah menerima sebagian besar sebagai arus utama, tetapi memiliki jalan bergelombang dan, dalam menemukan penerimaan khalayak ramai, yang lambat.

Banyak musisi - pendukung modern musik tangga lagu barat elektronik - mengembangkan hasrat untuk synthesizer analog pada akhir 1970-an dan awal 1980-an dengan lagu-lagu khas seperti terobosan Gary Numan, 'Are Friends Electric?'. Itu di era ini bahwa perangkat ini menjadi lebih kecil, lebih mudah diakses, lebih ramah pengguna dan lebih terjangkau bagi banyak dari kita. Dalam artikel ini saya akan mencoba menelusuri sejarah ini dalam bab-bab yang mudah dicerna dan menawarkan contoh-contoh pendukung modern terbaik saat ini.

Menurut saya, ini adalah awal dari zaman baru. Untuk membuat musik elektronik, tidak perlu lagi memiliki akses ke ruang teknologi di studio atau live. Sampai sekarang, ini semata-mata domain seniman seperti Kraftwerk, yang gudang persenjataan elektronik dan gadget buatannya dibuat oleh kita semua, yang hanya bisa kita impikan, bahkan jika kita dapat memahami logistik fungsi mereka. Setelah mengatakan ini, pada saat saya tumbuh di tahun 60-an & 70-an, saya masih memiliki sedikit pengetahuan tentang kompleksitas pekerjaan yang telah menetapkan standar dalam beberapa dekade sebelumnya untuk sampai pada titik ini.

Sejarah musik elektronik berutang banyak pada Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Stockhausen adalah komposer Avante Garde Jerman dan tokoh perintis dalam musik elektronik sejak 1950-an dan seterusnya, memengaruhi gerakan yang pada akhirnya akan berdampak kuat pada nama-nama seperti Kraftwerk, Tangerine Dream, Brain Eno, Cabaret Voltaire, Depeche Mode, belum lagi karya eksperimental The Beatles 'dan lainnya di tahun 1960-an. Wajahnya terlihat di sampul "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", master Beatles The Beatles 1967. Mari kita mulai, dengan melakukan perjalanan sedikit lebih jauh ke masa lalu.

Pergantian Abad ke-20
Waktu terhenti untuk para bintang bintang ini ketika saya awalnya menemukan bahwa konser yang pertama kali didokumentasikan, secara eksklusif elektronik, bukan di tahun 1970-an atau 1980-an tetapi pada 1920-an!

Instrumen elektronik murni pertama, Theremin, yang dimainkan tanpa sentuhan, diciptakan oleh ilmuwan dan pemain cello Rusia, Lev Termen (1896-1993), sekitar tahun 1919.

Pada tahun 1924, Theremin melakukan debut konsernya dengan Leningrad Philharmonic. Ketertarikan yang dihasilkan oleh theremin menarik para penonton ke konser yang diadakan di Eropa dan Inggris. Pada tahun 1930, Carnegie Hall yang bergengsi di New York, mengalami pertunjukan musik klasik dengan menggunakan hanya sepuluh seri. Menonton sejumlah musisi terampil yang memainkan alat musik yang menakutkan ini dengan melambaikan tangan di sekitar antenanya pasti sangat menggembirakan, nyata, dan asing bagi pemirsa pra-teknologi!

Bagi mereka yang tertarik, lihat rekaman Theremin virtuoso Clara Rockmore (1911-1998). Rockmore (Reisenberg) yang lahir di Lithuania bekerja dengan penemunya di New York untuk menyempurnakan instrumen selama tahun-tahun awalnya dan menjadi pemain dan perwakilan yang paling diakui, cemerlang, dan diakui sepanjang hidupnya.

Dalam retrospeksi Clara, adalah 'bintang' pertama yang terkenal dari musik elektronik asli. Anda tidak mungkin menemukan pertunjukan musik klasik yang lebih menakutkan, namun indah di Theremin. Dia pasti favoritku!

Musik Elektronik di Sci-Fi, Bioskop dan Televisi
Sayangnya, dan terutama karena kesulitan dalam penguasaan keterampilan, masa depan Theremin sebagai alat musik berumur pendek. Akhirnya, ia menemukan ceruk dalam film-film Sci-Fi 1950-an. Film klasik 1951 "The Day the Earth Stood Still", dengan sebuah soundtrack oleh komposer musik film berpengaruh Amerika Bernard Hermann (dikenal dengan "Psycho" karya Alfred Hitchcock, dll.), Kaya dengan skor 'makhluk luar angkasa' menggunakan dua Theremins dan lainnya. perangkat elektronik menyatu dengan instrumentasi akustik.

Dengan menggunakan teknologi osilator tabung hampa udara Theremin, pemain cello dan telegrafi radio Prancis, Maurice Martenot (1898-1980), mulai mengembangkan Ondes Martenot (dalam bahasa Perancis, yang dikenal sebagai Gelombang Martenot) pada tahun 1928.

Menggunakan keyboard standar dan akrab yang bisa lebih mudah dikuasai oleh seorang musisi, instrumen Martenot berhasil di mana Theremin gagal menjadi ramah pengguna. Bahkan, itu menjadi instrumen elektronik pertama yang berhasil digunakan oleh komposer dan orkestra dari zamannya hingga saat ini.

Ini ditampilkan pada tema serial TV 1960 asli "Star Trek", dan dapat didengar pada rekaman kontemporer oleh orang-orang seperti Radiohead dan Brian Ferry.

Ondes Martenot multi-timbral ekspresif, meskipun monofonik, adalah instrumen terdekat dari generasinya yang pernah saya dengar yang mendekati suara sintesis modern.


"Forbidden Planet", dirilis pada tahun 1956, adalah film studio komersial besar pertama yang menampilkan download lagu soundtrack elektronik eksklusif ... selain memperkenalkan Robbie the Robot dan Anne Francis yang memukau! Skor inovatif dihasilkan oleh tim suami-istri Louis dan Bebe Barron yang, pada akhir 1940-an, mendirikan studio rekaman milik swasta pertama di AS yang merekam seniman eksperimental elektronik seperti John Cage yang ikonik (yang pekerjaannya menantang Avante Garde ditantang definisi musik itu sendiri!).

Barron umumnya dikreditkan karena memperluas aplikasi musik elektronik di bioskop. Sebuah besi solder di satu tangan, Louis membangun sirkuit yang ia manipulasi untuk menciptakan sejumlah efek aneh, 'tidak wajar' dan motif untuk film. Setelah dilakukan, suara-suara ini tidak dapat direplikasi karena rangkaian akan secara sengaja membebani, merokok dan terbakar untuk menghasilkan hasil suara yang diinginkan.

Akibatnya, mereka semua direkam ke tape dan Bebe diayak selama berjam-jam gulungan diedit apa yang dianggap dapat digunakan, kemudian memanipulasi ulang ini dengan penundaan dan gema dan secara kreatif dijuluki produk akhir menggunakan beberapa deck tape.

Selain metode kerja yang melelahkan ini, saya merasa terdorong untuk memasukkan apa yang, bisa dibilang, tanda tangan televisi elektronik yang paling bertahan lama dan paling berpengaruh: tema seri serial petualangan Sci-Fi British 1963 yang telah lama berjalan, "Dr. Who". Ini adalah pertama kalinya serial televisi menampilkan tema elektronik semata. Tema untuk "Dr. Who" diciptakan di BBC Radiophonic Workshop yang legendaris menggunakan loop tape dan osilator uji untuk menjalankan efek, merekam ini untuk direkam, kemudian dimanipulasi ulang dan diedit oleh perintis Electro lain, Delia Derbyshire, menafsirkan komposisi Ron Grainer.

Seperti yang Anda lihat, penggunaan lazim musik elektronik dalam Sci-Fi vintage adalah sumber utama persepsi masyarakat umum tentang musik ini sebagai 'dunia lain' dan 'alien-aneh terdengar'. Ini tetap menjadi kasus sampai setidaknya 1968 dengan rilis album hit "Switched-On Bach" dilakukan sepenuhnya pada synthesizer Moog modular oleh Walter Carlos (yang, dengan beberapa gigitan bedah dan melipat, kemudian menjadi Wendy Carlos).

Tahun 1970-an memperluas profil musik elektronik dengan menerobos band-band seperti Kraftwerk dan Tangerine Dream, dan terutama tahun 1980 ketika menemukan penerimaan yang lebih umum.

Pertengahan 1900-an: Beton Musique
Dalam perkembangannya sampai tahun 1900-an, musik elektronik tidak hanya terbatas pada sirkuit elektronik yang dimanipulasi untuk menghasilkan suara. Kembali pada tahun 1940-an, sebuah penemuan Jerman yang relatif baru - tape reel-to-reel yang dikembangkan pada tahun 1930-an - menjadi topik yang menarik bagi sejumlah komposer Eropa Avante Garde, terutama penyiar radio dan komposer Perancis Pierre Schaeffer (1910). -1995) yang mengembangkan teknik montase yang disebutnya Musique Concrete.

Musique Concrete (yang berarti 'dunia nyata' suara yang bertentangan dengan yang buatan atau akustik yang diproduksi oleh instrumen musik) secara luas melibatkan penyambungan bersama-sama segmen rekaman lagu dangdut mp3 yang mengandung suara 'ditemukan' - alami, lingkungan, industri dan manusia - dan memanipulasi ini dengan efek seperti keterlambatan, gema, distorsi, mempercepat atau memperlambat kecepatan pita (varispeed), membalikkan, dll.

Stockhausen benar-benar mengadakan konser dengan memanfaatkan karya-karya Musique Concrete-nya sebagai backing tapes (pada tahap ini elektronik dan juga suara 'dunia nyata' digunakan pada rekaman) di atas itu instrumen live akan dilakukan oleh pemain klasik menanggapi suasana hati dan motif mereka. sedang mendengar!

Musique Concrete memiliki dampak luas tidak hanya pada Avante Garde dan perpustakaan efek, tetapi juga pada musik kontemporer tahun 1960-an dan 1970-an. Hal-hal penting yang perlu diperiksa adalah penggunaan metode ini oleh Beatles dalam lagu-lagu inovatif seperti 'Tomorrow Never Knows', 'Revolution No. 9' dan 'Being for the Benefit of Mr. Kite', serta album Pink Floyd "Umma Gumma "," Sisi Gelap Bulan "dan" Lumpy Gravy "karya Frank Zappa. Semua cut-up tape bekas dan loop tape buatan sendiri sering diumpankan langsung ke mixdown utama.

Hari ini ini dapat dilakukan dengan kesederhanaan menggunakan sampling digital, tetapi pahlawan kemarin bekerja berjam-jam, berhari-hari dan bahkan berminggu-minggu untuk menyelesaikan empat menit! Bagi kita yang merupakan musisi kontemporer, memahami sejarah musik elektronik membantu dalam menghargai teknologi lompatan kuantum yang telah diambil dalam periode terakhir. Tetapi para inovator awal ini, para pelopor ini - yang di dalamnya ada lebih banyak orang - dan tokoh-tokoh penting yang mereka pengaruhi datang sebelum kita, menciptakan landasan revolusioner yang telah menjadi warisan musik elektronik kita saat ini dan untuk ini saya memberi mereka penghormatan!

1950-an: Komputer Pertama dan Synth Play Music
Bergerak maju beberapa tahun ke tahun 1957 dan memasukkan komputer pertama ke dalam campuran elektronik. Seperti yang dapat Anda bayangkan, itu bukan perangkat laptop portabel tetapi menghabiskan seluruh ruangan dan ramah pengguna bahkan bukan konsep. Meskipun demikian, orang-orang kreatif terus mendorong batasan. Salah satunya adalah Max Mathews (1926 -) dari Bell Telephone Laboratories, New Jersey, yang mengembangkan Music 1, program musik asli untuk komputer yang menjadi dasar semua sintesis digital berikutnya. Mathews, dijuluki 'Bapak Musik Komputer', menggunakan IBM Mainframe digital, adalah orang pertama yang mensintesis musik di komputer.

Dalam klimaks film Stanley Kubrik 1968 '2001: A Space Odyssey', penggunaannya dibuat dari rendisi elektronik 1961 Mathews dari lagu 1800-an 'Daisy Bell'. Di sini iringan musik dilakukan oleh mainframe yang diprogram bersama dengan teknik suara 'menyanyi' manusia yang disintesis komputer yang dirintis pada awal 60-an. Dalam film tersebut, ketika HAL komputer mengalami kemunduran, 'dia kembali ke lagu ini, sebuah penghormatan terhadap asal-usulnya sendiri'.

1957 juga menyaksikan synth canggih pertama, RCA Mk II Sound Synthesizer (peningkatan pada 1955 asli). Ini juga menampilkan sequencer elektronik untuk memprogram pemutaran kinerja musik. RCA Synth yang masif ini dipasang, dan masih tersisa, di Pusat Musik Elektronik Columbia-Princeton, New York, tempat Robert Moog yang legendaris bekerja untuk sementara waktu. Universitas dan laboratorium Teknologi adalah rumah utama untuk eksperimen synth dan musik komputer di era awal itu.

1960-an: The Dawning of The Age of Moog
Logistik dan kompleksitas penyusunan dan bahkan memiliki akses ke apa yang, sampai saat itu, synthesizer musisi yang tidak ramah, menyebabkan permintaan untuk instrumen yang lebih portabel dimainkan. Salah satu yang pertama merespons, dan pasti yang paling sukses, adalah Robert Moog (1934-2005). Sint dimainkannya menggunakan keyboard gaya piano yang akrab.

Jenis plug-in kabel modular operator telepon operator Moog yang besar tidak dapat diangkut dan dipasang dengan sejumlah kemudahan atau kecepatan! Tapi itu menerima dorongan besar dalam popularitas dengan keberhasilan Walter Carlos, seperti yang disebutkan sebelumnya, pada tahun 1968. Rekor terlaris LP-nya (Pemain Panjang) "Switched-On Bach" belum pernah terjadi sebelumnya karena itu adalah pertama kalinya sebuah album muncul sepenuhnya musik yang disintesis, sebagai lawan dari potongan suara eksperimental.

Album ini adalah pertunjukan musik klasik yang kompleks dengan berbagai multi-track dan overdub diperlukan, karena synthesizer hanya monofonik! Carlos juga menciptakan skor elektronik untuk "A Clockwork Orange", film futuristik 1972 Stanley Kubrik yang mengganggu.

Dari titik ini, synth Moog lazim di sejumlah album kontemporer akhir 1960-an. Pada 1967 Monkees, "Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd" menjadi rilis album pop komersial pertama yang menampilkan Moog modular. Bahkan, penyanyi / drummer Mickey Dolenz membeli salah satu unit pertama yang terjual.

Namun baru pada awal tahun 1970-an, ketika Minimoog pertama muncul, minat berkembang dengan serius di antara para musisi. Unit kecil portabel ini dengan suara yang tebal memiliki dampak yang signifikan menjadi bagian dari perangkat musik live bagi banyak musisi tur selama bertahun-tahun yang akan datang. Perusahaan lain seperti Sequential Circuits, Roland dan Korg mulai memproduksi synths mereka sendiri, melahirkan subkultur musik.

Saya tidak bisa menutup bab pada 1960-an, tanpa referensi ke Mellotron. Instrumen elektronik-mekanik ini sering dipandang sebagai prekursor primitif bagi sampler digital modern.

Dikembangkan pada awal 1960-an di Inggris dan berdasarkan pada Chamberlin (instrumen rumit yang dirancang AS dari dekade sebelumnya), keyboard Mellotron memicu kaset yang direkam sebelumnya, masing-masing tombol sesuai dengan nada dan nada yang setara dari instrumen akustik yang dimuat sebelumnya.

The Mellotron legendaris untuk penggunaannya pada lagu Beatles '1966' Strawberry Fields Forever '. Flute tape-bank digunakan pada pengantar menghantui yang dimainkan oleh Paul McCartney.

Popularitas instrumen berkembang dan digunakan pada banyak rekaman era seperti epik Moody Blues yang sangat sukses 'Nights in White Satin'. 1970-an melihatnya diadopsi lebih dan lebih oleh band-band rock progresif. Pelopor elektronik Tangerine Dream menampilkannya di album awal mereka.

Dengan waktu dan kemajuan lebih lanjut dalam teknologi microchip, instrumen yang menawan ini menjadi peninggalan zamannya.


1970-an: Kelahiran Band Elektronik Vintage
Album-album cairan awal Tangerine Dream seperti "Phaedra" dari tahun 1974 dan karya Brian Eno dengan 'ambient' musik yang diciptakan sendiri dan pada album "Heroes" karya David Bowie, lebih jauh menarik minat synthesizer dari kedua musisi dan penonton.

Kraftwerk, yang album seminal 1974 "Autobahn" mencapai kesuksesan komersial internasional, mengambil medium tersebut lebih jauh lagi dengan menambah ketepatan, denyut dan irama elektronik yang berdenyut dan melodi synth yang agung. Minimalisme mereka menunjukkan dunia kota yang dingin, industri, dan terkomputerisasi. Mereka sering menggunakan alat perekam suara dan sintesis suara seperti emulator suara 'Speak and Spell' robot yang indah, yang terakhir menjadi alat bantu belajar anak-anak!

Sementara terinspirasi oleh karya-karya elektronik eksperimental Stockhausen, sebagai seniman, Kraftwerk adalah orang pertama yang berhasil menggabungkan semua elemen musik dan kebisingan yang dihasilkan secara elektronik dan menghasilkan format lagu yang mudah dikenali. Penambahan vokal di banyak lagu mereka, baik dalam bahasa Jerman asli mereka dan bahasa Inggris, membantu membuat mereka mendapat pujian universal menjadi salah satu pelopor dan pemain musik kontemporer paling berpengaruh selama setengah abad terakhir.

'Das Modell' Kraftwerk tahun 1978 menghantam tempat nomor satu di Inggris dengan versi bahasa Inggris yang diterbitkan kembali, 'The Model', pada bulan Februari 1982, menjadikannya salah satu toppers teratas tangga lagu Electro!

Namun ironisnya, butuh gerakan yang tidak memiliki hubungan dengan EM (Musik Elektronik) untuk memfasilitasi penerimaan arus utama yang lebih luas. Pertengahan gerakan punk tahun 1970-an, terutama di Inggris, membawa serta sikap baru yang unik: yang mengutamakan ekspresi diri daripada ketangkasan kinerja dan pelatihan formal, sebagaimana diwujudkan oleh musisi rock progresif kontemporer. Agresi awal punk logam berubah menjadi bentuk yang kurang kasar selama akhir 1970-an: Gelombang Baru. Ini, dicampur dengan keterjangkauan komparatif banyak synthesizer kecil, mudah digunakan, menyebabkan ledakan synth komersial awal 1980-an.

Generasi baru anak muda mulai mengeksplorasi potensi instrumen ini dan mulai membuat soundscape yang menantang perspektif musik kontemporer yang ada. Ini tidak datang tanpa bekas luka pertempuran. Perusahaan industri musik, terutama di medianya, sering mengolok-olok bentuk ekspresi dan presentasi baru ini dan ingin mengirimkannya ke tempat sampah sejarah.

1980-an: Era Emas Pertama Musik Elektronik untuk Misa
Gary Numan menjadi arguably megastar synth komersial pertama dengan "Tubeway Army" 1979 hit 'Are Friends Electric?'. Elemen Sci-Fi tidak terlalu jauh lagi. Beberapa citra diambil dari klasik Science Fiction, "Do Androids Dream of Electric Sheep?". Film hit 1982 "Blade Runner" juga didasarkan pada buku yang sama.

Meskipun 'Apakah Teman Electric?' menampilkan dukungan drum dan bass konvensional, penggunaan dominannya dari Polymoogs memberikan lagu itu suara yang sangat khas. Rekaman ini adalah rilis berbasis synth pertama yang mencapai status chart nomor satu di Inggris selama tahun-tahun pasca-punk dan membantu mengantarkan genre baru. Tidak lagi musik elektronik dan / atau synthesizer diasingkan ke sela-sela arus utama. Menarik!

Perkembangan lebih lanjut dalam teknologi elektronik yang terjangkau menempatkan elektronik tepat di tangan pencipta muda dan mulai mengubah studio profesional.

Dirancang di Australia pada tahun 1978, Fairlight Sampler CMI menjadi instrumen pengambilan sampel digital polifonik digital pertama yang tersedia secara komersial, tetapi biaya penghalang melihatnya hanya digunakan oleh orang-orang seperti Trevor Horn, Stevie Wonder dan Peter Gabriel. Namun, pada pertengahan dekade, instrumen yang lebih kecil dan lebih murah memasuki pasar seperti Akai dan Emulator Sampler yang sering digunakan di mana-mana yang sering digunakan oleh musisi untuk mereplikasi suara rekaman studio mereka. Sampler merevolusi produksi musik sejak saat ini.

Di sebagian besar pasar utama, dengan pengecualian kualifikasi AS, awal 1980-an tertarik secara komersial kepada seniman yang dipengaruhi elektro. Ini adalah era yang menyenangkan bagi banyak dari kita, termasuk saya sendiri. Saya tahu saya tidak sendirian dalam menyimpan gitar dan amp yang terdistorsi dan membenamkan diri ke dalam dunia baru ekspresi musik - dunia suara abstrak dan non-tradisional.

Di rumah, band-band berbasis synth Australia Real Life ('Send Me An Angel', "Heartland" album), Icehouse ('Hey Little Girl') dan Pseudo Echo ('Funky Town') mulai memetakan secara internasional, dan lebih banyak pakaian elektronik eksperimental seperti Severed Heads dan SPK juga mengembangkan pengikut kultus di luar negeri.

Tetapi pada pertengahan dekade ini, gelombang elektronik global pertama kehilangan momentumnya di tengah-tengah perlawanan yang dipicu oleh media musik sekolah lama yang tak henti-hentinya. Sebagian besar seniman yang memulai dasawarsa ini sebagai yang didominasi oleh elektro, entah hancur atau sangat menyatukan suara mereka dengan instrumentasi rock tradisional.


1990's Maju: Era Emas Kedua Musik Elektronik untuk Misa
Sebelum 'musik bintang' kami mendapatkan cengkeramannya di arus utama AS, dan sementara itu kehilangan tempat komersial di sebagian besar pertengahan 1980-an, Detroit dan Chicago menjadi laboratorium sederhana untuk ledakan Musik Elektronik yang akan melihat sebagian besar tahun


1990-an dan selanjutnya. Masukkan Techno dan House.
Detroit pada 1980-an, gurun industri AS pasca-Fordisme, menghasilkan Techno yang lebih keras dipengaruhi Eropa. Pada awal hingga pertengahan 80-an, Detroiter Juan Atkins, penggemar Kraftwerk yang obsesif, bersama dengan Derrick May dan Kevin Saunderson - menggunakan peralatan primitif, sering dipinjam - membentuk tulang punggung dari apa yang akan terjadi, bersama dengan House, budaya-klub musik yang dominan pada jadwal puasa ramadhan 2019 seluruh Dunia. Seniman yang sangat direferensikan yang menginformasikan perkembangan Techno awal adalah pelopor Eropa seperti Kraftwerk yang disebutkan sebelumnya, serta Yello dan British Electro bertindak seperti Depeche Mode, Human League, Heaven 17, New Order dan Cabaret Voltaire.

Chicago, yang berjarak empat jam berkendara, secara bersamaan melihat perkembangan House. Nama ini umumnya dianggap berasal dari "The Warehouse" di mana berbagai DJ-Produser menampilkan amalgam musik baru ini. House berakar pada disko tahun 1970-an dan, tidak seperti Techno, biasanya memiliki beberapa bentuk vokal. Saya pikir karya Giorgio Moroder di pertengahan 70-an dengan Donna Summer, terutama lagu 'I Feel Love', sangat penting dalam menghargai pengaruh disko 70-an saat berkembang Chicago House.

Berbagai varian dan sub genre telah berkembang sejak - melintasi Atlantik, dikerjakan kembali dan kembali lagi - tetapi dalam banyak hal keberhasilan populer dari dua bentuk inti ini merevitalisasi seluruh lanskap elektronik dan budaya sosial yang terkait. Techno dan House secara mendalam menantang mainstream dan Alternative Rock sebagai pilihan mendengarkan yang disukai untuk generasi baru: generasi yang telah tumbuh dengan musik elektronik dan menerimanya sebagai sesuatu yang sudah ada. Bagi mereka, itu adalah musik yang selalu ada.

Sejarah musik elektronik terus ditulis sebagai kemajuan teknologi dan harapan orang-orang di mana musik dapat terus mendorongnya maju, meningkatkan kosa kata dan leksikonnya.
 



  

Subscribe to receive free email updates: